La musique classique est la musique savante produite par, ou enracinée dans, les traditions musicales ecclésiastiques et profanes occidentales, à peu près du Moyen Âge à nos jours. Les règles fondamentales de cette tradition ont été établies dans la période 1550-1900. La plupart des compositions sont notées d’une manière ou d’une autre. Plus strictement, on entend par musique classique la musique de la période du classicisme, vers 1730-1820.
Le terme musique classique est utilisé comme synonyme de musique d’art ou de musique sérieuse, en contrepartie de la musique populaire (musique légère) et de la musique folk. En termes de classification qualitative, le terme n’est plus utilisé aujourd’hui. La musique classique n’est pas seulement censée être ” sérieuse “, mais elle a de nombreuses formes de musique de consommation : pour l’éducation musicale, le divertissement, la danse et le théâtre musical.
En outre, la tradition musicale et les formes musicales modernes, en particulier le jazz et la musique électronique, s’influencent mutuellement et produisent un grand nombre de formes hybrides qui ne peuvent plus être intégrées dans le schéma classique populaire. Les cultures musicales non occidentales sont également appelées musique classique, afin de distinguer les traditions anciennes de la musique populaire moderne, comme dans la culture indienne (musique classique indienne) et en Chine (musique classique chinoise).
Histoire de la musique classique
L’histoire de la musique classique est divisée en plusieurs périodes.
Antiquité
La gamme actuelle utilisée dans la musique occidentale, composée de 12 tons, s’est développée en général historiquement de 3 tons autour d’un ton, à 5 tons (le pentatonique), puis à 7 tons (le diatonique) et enfin à 12 tons (le chromatique). L’histoire de la musique occidentale commence par un diatonique du Moyen-Orient et de la Grèce antique.
Aucune partition de musique grecque ancienne n’a été conservée, bien que des reconstitutions puissent être faites sur la base des descriptions survivantes. Un compositeur important, dont certains hymnes ont été conservés, est Mesomède de Crète (Ier siècle de notre ère). Beaucoup moins de musique romaine a été conservée : une seule phrase, reconstruite à la Renaissance à partir d’une pièce de Terentius.
L’influence la plus importante de l’Antiquité sur le développement de la musique classique est de nature théorique. Pythagore a construit sa gamme diatonique avec des quintes pures et pures. Aristoxenos a été le premier théoricien de la musique à distinguer entre différentes gammes.
Haut Moyen Âge (500-1000)
Au début du Moyen Âge, le développement de la musique classique était lié à celui de la musique d’église. Les mélodies chantées dans l’église venaient principalement d’Asie. Ces mélodies ont subi un changement : elles ont été dépouillées de leurs décorations, de sorte que seules les tonalités les plus importantes sont restées. Ces chants ont été recueillis et codifiés à partir du VIe siècle par ordre du pape Grégoire le Grand (Pape de 590 à 604). Depuis lors, cette collection est connue sous le nom de musique grégorienne : toutes les chansons à l’unisson.
Moyen Âge (1000-1450)
L’innovation la plus importante au Moyen Age est la polyphonie, la polyphonie. Comme dans la polyphonie, le troisième est l’intervalle le plus important, une nouvelle gamme a dû être construite, basée sur la consonance des tiers. Un système de notation musicale s’est également développé progressivement, dans lequel la note était notée comme un point (latin : punctus) sur une mesure avec des lignes. En musique polyphonique, plusieurs notes sonnent simultanément, note à note (latin : punctus contra punctus) ; avec le contrepoint, le métier de compositeur est également né.
Les styles suivants peuvent être distingués : Organum (XIe siècle), Ars antiqua (vers 1100-1300), Ars nova (vers 1300-1450), Trecento (musique italienne du XIVe siècle) et Ars subtilior (vers 1425-1450).
Renaissance (1450-1600)
Les développements musicaux de la Renaissance peuvent être résumés comme suit : changements dans le système de notation (plus “ouvert”, notation blanche que noire) ; en plus de la musique religieuse, de plus en plus profane et instrumentale ; règles plus strictes concernant la consonance et la dissonance ; attention accrue pour la relation entre texte et musique ; distribution internationale du répertoire polyphonique, notamment en raison du succès et de l’essor du tirage musical.
A la Renaissance, ce sont surtout les compositeurs des Pays-Bas (Belgique et Nord de la France) qui sont à l’origine de ces innovations. Parmi plus d’une centaine de noms importants, on peut citer Guillaume Dufay, Johannes Ockeghem, Pierre de la Rue, Jacob Obrecht, Nicolas Gombert, Clemens non Papa, Adriaan Willaert, Orlandus Lassus (Roland de Lassus, Orlando di Lasso), Josquin des Prez et Philippus de Monte. Le dernier grand compositeur de la Renaissance fut la Palestrina romaine (1525-1594).
Baroque (1600-1750)
Vers 1600, le style de la musique composée a changé en moins de cinq ans. La monodie avec son système de basse continue, l’harmonie et les cadences sont introduites. C’est à cette époque que se développent la plupart des instruments de musique modernes : les instruments à archet (bien qu’avec un archet plus court) et les instruments à vent (bien qu’ils ne soient pas équipés de valves modernes). Jusqu’à l’époque baroque, les développements les plus importants ont toujours été liés à une pratique de l’interprétation essentiellement vocale. A partir de l’époque baroque, la musique instrumentale a pris le rôle principal.
La période baroque en musique est généralement considérée comme se terminant avec la mort de Bach en 1750.
Classique (1750-1820)
La musique classique tire son nom de la période du classicisme. Dans l’histoire de la musique, cependant, elle est très courte et se compose principalement d’œuvres de Wolfgang Amadeus Mozart, Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven (Première école viennoise).
L’une des innovations les plus importantes, issue de la Mannheimer Schule, est l’utilisation intégrale de signes pour noter la dynamique (comme p pour doux et f pour fort, fort). De plus, la musique reste essentiellement tonale, mais subit un changement majeur le contrepoint est progressivement remplacé par l’harmonie et le pianoforte avance fortement, ouvrant la voie à la marche triomphale du piano.
A l’époque du classicisme, de nouvelles formes émergent la forme sonate, la symphonie ; et de nouvelles formations le quatuor à cordes et l’orchestre symphonique (alors encore petit).
Romantisme (1815-1910)
Dans la période romantique de la musique classique, les compositeurs font des compositions de plus en plus grandes avec toujours plus de notes, des rythmes plus difficiles et des développements harmoniques toujours plus complexes. Ils utilisent de nombreux et étranges instruments de musique qui n’ont jamais été utilisés auparavant. Beaucoup de drame et d’émotion peuvent être entendus. Il s’agit de ce que les gens ressentent, de la fantaisie et de la nature.
La tendance des développements musicaux au XIXe siècle est née de l’idée du progrès au siècle des Lumières et a conduit à des œuvres de plus en plus grandes, à des orchestres plus grands, à des techniques de jeu plus virtuoses sur des instruments de musique améliorés et à des développements harmoniques de plus en plus complexes.
La musique classique du XXe siècle, la musique classique européenne d’après 1900 est très variée, à commencer par le style romantique tardif de Sergei Rachmaninov, l’impressionnisme de Claude Debussy et Maurice Ravel, et poursuivi par Béla Bartók et le néoclassicisme d’Igor Stravinsky au sérialisme opposé de Pierre Boulez, la musique minimaliste de Steve Reich et Philip Glass, la musique concrète de Pierre Schaeffer, la musique microtonale de Harry Partch et la musique aléatoire de John Cage, la musique électronique de Karlheinz Stockhausen.
La similitude générale de tous ces différents genres est l’utilisation croissante de la dissonance dans la composition. Pour cette raison, le XXe siècle est parfois appelé la période dissonante.